艺术研究｜诗入剧·剧如诗——浅谈赵大民先生之剧作 （下）

（续13日）

二、创作话剧剧本

在《文选》中，呈现给读者的第一个剧本是《茂陵封侯》，卷终以《钗头凤》做结。这两个话剧剧本是赵先生70年来创作剧目的优秀代表，更是把诗与戏融合、剧目诗化的最佳体现。

（一）剧中写诗人，话剧《钗头凤》使剧作者尽表情怀

赵先生出生于1925年，成长于军阀混战、日寇入侵的国难时代，陆游也是成长在南宋的动荡时代，相似的时代背景和相同的爱国之心，让赵先生对陆游情有独钟。他说：“陆游用热血和生命熔铸自己的诗歌，用诗人的感情去进行人生实践，他不仅是一位热情的歌者，也是一位伟大的战士。”“他的《剑南诗稿》，是一轴祖国山河的壮丽画卷，南宋时代的百科全书，爱国志士的斗争史诗。”“特别是一些激昂悲壮的爱国主义诗篇，激发忠愤，荡摇性情，读起来能感到诗人心脏的跳动，仿佛有一团火，烈焰熊熊，从诗人的心底喷发出来，一直向读者的心底蔓延、燃烧，直到最后使读者的热血也跟着沸腾起来。”因此，赵先生也最喜爱陆游的诗词，陆游一生写诗填词万余首，而他就通读了放翁存世的九千三百首。

同时触动赵先生内心深处的，还有陆游与表妹唐婉的一段流传千古的爱情故事。他说那段凄美的爱情：“是那样的率真、执著、勇敢和无奈！他无情地冲击封建礼教和拷问自己的灵魂，毫不矫饰做作、装模作样。”“陆游和唐婉的爱情悲剧，所以令人同情，还因为他们的爱情超越了一般的才子佳人、卿卿我我的范畴，而是通过他们的相知相契，演绎成为志同道合的爱情符码。”他认为《钗头凤》那首词：“缠绵悱恻，激越悲怆，是诗人发自心底的悲鸣，是对封建礼教无情的控诉，是青年陆游对壮年陆游残酷的折磨，也是他面对既成事实无可奈何的太息。”“像古诗《孔雀东南飞》、唐人白居易的《长恨歌》、李商隐的《无题》《锦瑟》以及清人姚變的《双鸩篇》、清人朱彝尊的《庆春泽（记恨）》等，都是写爱情和死，也都写得很动人，但都没有陆游这首《钗头凤》写得如此凄美、真挚，感同身受，入木三分，让人过目不忘。”为此，赵先生专门去到绍兴沈园寻觅那场八百多年前的悲欢离合，伫立在陆游题词的亭壁前，去默读陆与唐的心，去体验陆与唐的苦，去感受陆与唐的情。

怀着这样的通古之情，赵先生呕心沥血半个多世纪，倾吐了自己对这位诗人的赤诚之心。他在1957年编导了《钗头凤》第一版，1962年打造了第二版并于1980年复排，2003年将其改编成小剧场剧目，截至2010年，他总共完成了第四个版本《钗头凤》话剧剧本的创作。使以陆游为主人公的话剧《钗头凤》成为天津人民艺术剧院演出时间最长、演出场次最多的保留剧目。

以2010年的小剧场演出本为例，该本是四次修改中的最后一个版本，呈现出短小精悍的特点，但剧中主人公的爱情、爱国、母爱的情节却较前作更加细腻与清晰。

该剧是写诗人的，因此，诗词出现于剧中是必然的。该剧“序幕”拉开，七十五岁的陆游在一个早春的傍晚，从沈园深处走到自己当年题词的墙壁前。短短的几分钟里，诗人随景生情吟出了三首诗，串连了陆游七十五岁时作的《沈园》绝句，八十一岁时另作的《沈园》绝句，以及他六十五岁游沈园时所作的《菊枕》诗。三首不同时期的诗作在同一段独白中倾泻而出、一气呵成，这在话剧的开场白中恐怕是为数不多的。这也使该剧虽不是诗体话剧，但却洋溢出浓浓的诗意。之后，又在陆游吟词《钗头凤》：“红酥手，黄滕酒，满城春色宫墙柳……”声中将“他年轻时一段伤心恨事”引出。很快，时光倒流到四十多年前，母亲的“允婚”使青年陆游与唐婉的爱情生活甜蜜而温馨，但当观众与主人公一起沉浸在兴奋中时，“半地仙”的算命使这段婚姻一夜间破裂，让主人公从幸福的高峰一下子跌倒了痛苦的谷底，也让观众从喜到悲再到叹息。在这里，赵先生安排了一场“梦幻”，把他们的爱情推到了完结的尽头。但在“尾声”中，却让这两个早已各有家庭，但却难以忘怀的情人相会在“时当旺春，鸟鸣枝头，百花盛开，千红万紫”的沈园之中。然而，美好宜人的景色没能让有情人终成眷属，重逢和诀别再次叩击了观众的内心深处。陆游与唐婉你吟我和的《钗头凤》，总结般地把两人的爱情悲痛推向无底的深渊。

该剧的开头先是诗人吟诗策杖出场，结尾又以诗人写诗亮相而完结。四十年的跨度，园林的荒芜与鼎盛的对比，陆与唐感情的升腾与瓦解，诗里来诗里去，完美地演绎了这两首《钗头凤》。他们的懊悔、愧疚与无奈都倾注在了“错！错！错！”“莫！莫！莫！”“难！难！难！”“瞒！瞒！瞒！”之中，成为该剧目最牵动人心的魂魄，激起观众感情的共鸣与内心的激荡。

赵先生并没有在剧中单一的描述他们的爱情悲剧，而是把民族英雄岳飞那著名的《满江红》巧妙地穿插到青年陆游练剑之时、陆游听到岳飞在风波亭归天的消息之时、陆与唐生离死别之时，他把家庭小爱置于国家大爱之中，形成两者同命共运的整体。因此，陆游在暮年仍对国家前途命运念念不忘：“死去元知万事空，但悲不见九州同，王师北定中原日，家祭无忘告乃翁。”把陆游这种爱国情怀自然地流淌在全剧之中，让观众在为他们个人情爱而感动的同时，更对主人公的忧国之情心生敬意。

2006年，赵先生将此剧改编成戏曲《沈园遗梦》，同样在每一场中加入了陆游的诗，如《咏梅》《感昔》《寄仲高》《临安春雨初霁》以及《观大散关图有感》等等。特别是在第四场《被黜》中，加入了一个卖花女，她唱道：“小楼一夜听春雨，深巷明朝卖杏花。”这是陆游六十多岁时写得一首小诗，把它安排在陆游青年时期，并且是在他思念表妹，盼望科考结果的时候出现，表面上反应这首诗受世人欢迎的程度，实际上是让诗人在做自我调节。也就是说，虽然国事家愁一起向他压来，但“春雨”与“杏花”这两样春天的象征给了他执着、顽强、积极向上的动力，而这种动力正是来源于他自己的内心世界。把陆游的青年与老年交织于一体，让观众对陆游有了个非常完整的认识。

戏曲《沈园遗梦》与话剧《钗头凤》都结束在诗词中，但《沈园遗梦》让唐婉用尽最后一丝丝力气去和表哥的词，成为一种生命的绝唱，为观众传递出“命已尽，情未了”的含蓄而绵长的悲情况味。

（二）从诗入戏到戏如诗，诗体话剧《茂林封侯》使作者梦想成真

用古诗去表现古人的情怀，是再合适不过的一种方式，也是根植在作者内心深处的多年夙愿。如何把它与话剧结合，是一件好说难做的事情。我国古代文人向来把诗词用来吟唱，诗词的平仄韵味也是他们生命存在的意义。同时，古人作诗还讲究意境，这是传统古诗的灵魂。作者最终抓住了这些特点，在《茂林封侯》中让每一句话都呈现流畅、押韵状态，让习惯说大白话、不再讲字音韵味的当代观众，在一种清新脱俗的语言环境中，在诗的意境当中，深入到那个时代里，去认识苏武、去审视苏武、去感受苏武，从而敬重苏武。

该剧用两条线并行展现故事的发展。一条为苏武于北海的经历，一条是十几年前苏武初见单于时的场景。这样安排的目的有二：一，一边展现着当前发生的故事，一边再抽丝剥茧地把发生这一故事的原委告诉观众，像是在慢慢的抖“包袱”，去引发观众一探究竟的兴趣。二，北海的自然环境与单于的皇宫景色，一个白雪皑皑，一个金壁辉煌，一个冷色调，一个暖色调，不禁让人想起“虹收青嶂雨，鸟没夕阳天”中的青山与夕阳，其鲜明色差给读者带来了极大的视觉冲击和心灵动荡。而该剧中设计的这两个场景的色差同样是那么显著，并且一直交替进行，直至幕落，自始至终撞击着观众的心怀。

“深秋帘幕千家雨，落日楼台一笛风”，是顾随非常喜欢的一联诗，他说，这联上句说得是竹帘与雨水，都是纵向的景象，而到了下句说的笛子是横着吹的，风也是横着刮的，使得下句的景象忽然转为横向。该剧的情节也很富有这种诗的境界，开头是漫天大雪中身着兽皮，在寒风中赶着羊群，被降将推下悬崖的苏武。但第二场则立即转到刚到匈奴的苏武，在号角齐鸣中受到了单于热情地接待，并获得公主的青睐，甚是荣光。

该剧的尾声达到了诗情画意的最高潮。通过千辛万苦才回到汉都长安的苏武，步履蹒跚的来到了汉武帝的墓前，哭诉自己的衷肠。被感动的先帝幽灵现出，他没有摆出一副天子的尊严，而是非常平和地对苏武说：“过些时候咱们就见面了……你也不必悲观，其实做官做民都是那么一回事儿……你看，我当了一辈子的皇上，临了不是也要变成墓前的宿草和天上的清风吗！”他下旨让苏武找画师画像，把画像挂到麒麟阁，并说：“你是九人当中唯一一位没有封侯而获此殊荣的人。”至此可谓是个完美结局。但赵先生认为仅这样还不够，于是他在结尾处增加了《乐府诗集》中的《敕勒歌》。苏武悲愤道：“画像？那些御画师根本不会画像。他们只能画人皮毛，不能画人风骨。其实，每个人的像都是自己画的，用他的一言一行，一举一动，一笑一颦……我的像早就画好啦，画好啦，那就是我在匈奴的十九，整整十九年哪……”其独白即将结束时，逐渐增大的《敕勒歌》的歌声将苏武的声音融化在“敕勒川，阴山下，天似穹庐，笼盖四野。天苍苍，野茫茫，风吹草低现牛羊”的自然风光之中，将苏武在匈奴十九年持节不屈的民族精神，归于天、地、云、草组成的诗情画意之中，使之达到永恒，直至永远。这也使赵大民先生在完成诗入戏、戏如诗，精神与宇宙完美结合过程中，达到了“剧目诗化”的艺术创作目标。